A Barca

Uma abordagem semântica/sintática/pragmática ao gênero

2024-09-06T23:13:25+00:00

Tradução de texto originalmente publicado pelo autor como conclusão do seu livro Film/Genre (British Film Institute, 1998).

Gêneros fílmicos na encruzilhada: O que os gêneros fazem a si próprios

2024-09-06T23:23:29+00:00

Tradução do artigo "Gêneros fílmicos na encruzilhada: O que os gêneros fazem a si próprios".

A cor do entretenimento

2024-09-06T23:38:22+00:00

Artigo “The Colour of Entertainment” publicado pela primeira vez na revista Sight and Sound, vol. 5, n. 11, 1995, pp. 28-31. Republicado na coletânea DYER, Richard. Only Entertainment. Londres e Nova York: Routledge, 2002, p. 36-45.

Eisenstein no sertão: uma entrevista com Geraldo Sarno

2024-02-01T01:21:52+00:00

Entrevista com Geraldo Sarno (1938-2022), cineasta baiano, um dos expoentes da sua geração, cuja obra cinematográfica abrange filmes documentários e de ficção, como Viramundo (1965), Viva Cariri (1969), Coronel Delmiro Gouveia (1977), e mais recentemente Tudo isto me parece um sonho (2008), O último romance de Balzac (2010) e Sertânia (2019). A entrevista pretende evidenciar o diálogo produtivo que Sarno estabeleceu com a obra cinematográfica e teórica do cineasta soviético Serguei Eisenstein (1898-1948), desde a sua formação cinematográfica até o processo de criação de Sertânia.

O porvir imaginado pelo cinema brasileiro contemporâneo: a ficção científica no país do futuro

2024-03-21T15:18:14+00:00

Neste artigo em caráter ensaístico, propõe-se a análise da emergência de uma tendência contemporânea no cenário cinematográfico brasileiro, caracterizada pela representação de tempos e espaços especulativos – um elogio ao artifício e um apelo à imaginação enquanto potência criativa. Nesse contexto, gêneros previamente menos explorados no âmbito dessa cinematografia, como a ficção científica, ganham visibilidade. O objetivo central é compreender de que maneira esse gênero possibilita a expressão artística e crítica, além de assimilar tais narrativas em relação ao contexto contemporâneo em que estão inseridas. A abordagem adotada neste estudo busca uma compreensão abrangente do gênero narrativo, considerando tanto sua evolução histórica quanto uma análise contemporânea. Destaca-se a importância de examinar a especificidade da ficção científica, identificando suas características distintivas e suas convenções.

O Melodrama no Cinema Brasileiro: uma análise histórica a partir dos conceitos de Gênero e Modo

2024-04-06T18:14:35+00:00

Buscando sistematizar a presença do melodrama no cinema brasileiro, este artigo fará uma análise histórica de sua condição enquanto gênero cinematográfico nos estúdios dos anos 1930 a 1950 e depois, compreendendo a limitação metodológica dessa categoria, será feita uma revisão conceitual do melodrama dentro da categoria “modo”. Através dessa noção que extrapola as restrições dos gêneros, podemos entender o melodrama como forma de “modulação” dos elementos da mise-en-scène em direção a um excesso que intensifica a adesão emocional do espectador e lhe propõe uma experiência pedagógica através da narrativa. Para trazer um exemplo de como o melodrama “modula” a encenação cinematográfica e consequentemente a experiência do espectador, será apresentada uma análise fílmica de algumas cenas de Eles não usam black-tie (Leon Hirszman, 1981) para assim compreender a permanência do modo melodramático no cinema brasileiro.

Especulando gênero(s): por uma abordagem queer dos estudos de gêneros cinematográficos

2024-03-21T15:13:53+00:00

Partindo de reflexões interdisciplinares entre as teorias queer e os estudos culturais, este artigo se propõe a discutir novas possibilidades de definição do que é gênero cinematográfico. Historicamente, os estudos de sexualidade e gênero (gender) no cinema sempre demonstraram grande afinidade pelos gêneros (genres). São abundantes os trabalhos que investigam a representação da mulher no melodrama, a sensibilidade queer no musical ou os discursos de masculinidades no western. Nesta pesquisa, concentramos a análise nos gêneros da ficção especulativa (horror, ficção científica e fantasia) e sua relação com debates da Teoria Queer. Malgrado esse vínculo profícuo entre os campos, que já nos rendeu importantes discussões sobre representações e discursos sobre gênero e sexualidade no audiovisual, pouco se refletiu sobre o modo como a perspectiva dissidente da teoria queer pode contribuir para a conceitualização de gênero em si. Frequentemente, esses trabalhos encaram o gênero cinematográfico de maneira hermética, enquanto uma estrutura bem definida e consolidada. Sendo assim, propomos uma queerização do gênero cinematográfico a partir da fricção das teorias de gênero cinematográfico de pesquisadores como Rick Altman, Steve Neale e Mark Jancovich, com conceitos da teoria queer. Acredita-se que tal concepção pode ser frutífera não apenas para os estudos queer no cinema, mas também para pesquisas de gênero cinematográfico na contemporaneidade de maneira geral.

Reprodução social de heróis: aspectos da instrumentalização da maternidade nos animês do tipo shounen My Hero Academia e Demon Slayer

2024-03-21T14:53:42+00:00

A presente pesquisa visa apontar características recorrentes na representação da maternidade e sua relação com o trabalho em personagens mães de dois animês do tipo shounen. Tem-se como fundamento teórico perspectivas sobre a maternidade nos animês, o contexto japonês sobre a divisão sexual do trabalho e aspectos como precariedade e vulnerabilidade no trabalho feminino. Aciona-se aqui, por meio da Análise Crítica de Narrativa, uma investigação sobre mães presentes nos animês My Hero Academia e Demon Slayer. Entre os resultados, percebeu-se que esse gênero narrativo, o shounen, cria situações que destituir as mães do poder de proteção e cuidado dos filhos em detrimento de forças do Estado;, demonizam ou antagonizam a figura materna; e, por fim, instrumentalizam a maternidade para enaltecer ou interromper o desenvolvimento narrativo dos filhos, personagens centrais.

Suburbanismo Fantástico como Ferramenta Genérica Hollywoodiana para adaptar Narrativas Infanto-Juvenis

2024-03-21T16:11:53+00:00

O suburbanismo fantástico é um dos subgêneros cinematográficos mais influentes do cinema estadunidense da década de 1980. Dentre seus clássicos estão aventuras infanto-juvenis da Amblin (produtora de Steven Spielberg) como Poltergeist, E.T, Gremlins, De Volta para o Futuro e Os Goonies. O mesmo foi categorizado recentemente por Angus McFadzean, após o retorno da popularidade do subgênero na década de 2010 em obras como Super 8 e Stranger Things que foram vendidas como “ficções científicas nostálgicas dos anos 1980” e “obras estilo Amblin”. Na busca por uma melhor consolidação do que é o suburbanismo fantástico, o presente artigo demonstra como parte importante do seu desenvolvido se dá através de uma replicação do modelo de E.T. e Poltergeist de adaptar blockbusters e obras de outros gêneros cinematográficos, em narrativas centradas em crianças, adolescentes e jovens adultos. Este olhar ressalta como o subgênero foi parte importante do período do “Entretenimento Reaganista” ao adaptar o modelo de blockbusters para o público com maior potencial de consumo no cinema estadunidense: o jovem suburbano. Por fim, o artigo também o impacto que o suburbanismo fantástico vai ter em outros gêneros da indústria a partir da década de 1980.

Cavalo sem nome e paradeiro

2024-09-06T18:13:37+00:00

Ensaio visual de Benedito Ferreira

A Revista

2024-09-06T17:49:00+00:00

Apresentação do número 1 do volume 2 da revista A Barca.

O Dossiê - apresentação

2024-09-06T17:57:03+00:00

Apresentação do Dossiê "O que podem os gêneros narrativos no cinema e audiovisual?"

Expressionismo Alemão e estilo no especial de TV Lobisomem na Noite (2022)

2024-04-12T21:49:24+00:00

O expressionismo alemão é um movimento artístico e cinematográfico que emergiu na Alemanha durante o período entreguerras e impactou a linguagem cinematográfica, influenciando diretores e produções audiovisuais ao redor do mundo. Neste contexto, o especial de TV Lobisomem na Noite (2022) se destaca como um exemplo contemporâneo que busca resgatar e reinterpretar elementos característicos do expressionismo alemão. O episódio teve seu lançamento na plataforma de streaming Disney Plus e pertence ao universo de histórias em quadrinhos da Marvel Comics, sendo dirigido por Michael Giacchino. É perceptível a presença do estilo expressionista alemão no episódio, como por exemplo o uso intenso da luz e sombra de modo a definir os ambientes e o uso do rosto como expressividade. Portanto, utilizando a análise fílmica, esta pesquisa busca identificar as características do expressionismo alemão presentes no especial de TV Lobisomem na Noite (2022).

Você não estava aqui e O bom patrão: cinema europeu contemporâneo para pensar as lógicas do mundo do trabalho

2024-03-16T01:06:07+00:00

O presente artigo analisa as obras cinematográficas "Você não estava aqui" de Ken Loach e "O bom patrão" de Fernando León de Aranoa à luz das perspectivas do Capitalismo de Plataforma e da Sociologia do Trabalho. Ambos os filmes oferecem uma visão crítica das complexidades contemporâneas do mundo do trabalho, explorando a precarização, a desregulamentação dos direitos trabalhistas e o trabalho emocional. Loach destaca a falsa liberdade promovida pelo capitalismo de plataforma, expondo a exploração tecnológica, enquanto Aranoa revela o cinismo na liderança empresarial, criticando a instrumentalização das emoções. Com base em teorias de Antunes, Hochschild e Illouz, os filmes evidenciam transformações que afetam não apenas as condições materiais, mas também a saúde emocional e a subjetividade dos trabalhadores. Em última análise, instigam uma reflexão sobre os impactos da vileza apregoada pela atual configuração do sistema capitalista e a necessidade de repensar estruturas laborais em função de dimensão mais humanizada e equitativa.

Fabulação crioula: a política da intercessão e da memória no cinema de Pedro Costa

2024-04-01T12:03:15+00:00

Este artigo analisa a obra cinematográfica de Pedro Costa centrando-se nos filmes Juventude em Marcha (2006) e Cavalo Dinheiro (2014), que exploram o espaço marginalizado dos imigrantes cabo-verdianos e seus descendentes. O personagem central, Ventura, um ator não-profissional cabo-verdiano, desafia as representações convencionais ao forjar as suas experiências pessoais na construção de um roteiro não preestabelecido. A proposta do artigo é destacar como a política de intercessão praticada pelo cinema de Costa subverte o conceito de não-lugar atribuído a Ventura pela academia. Ventura, como intercessor, narra suas próprias memórias pós-coloniais, desafiando as representações visuais tradicionais e desconstruindo significados convencionais do ser subalternizado. A estratégia estético-narrativa, marcada pelo transe, cria um espaço compartilhado onde diretor e ator se tornam sujeitos menos discerníveis, embaralhando as categorias de sujeito e objeto. A proximidade entre diretor e ator gera um contágio que perturba a distinção entre ambos, desestabilizando a representação tradicional de imigrantes, trabalhadores, língua e os conceitos de local e nacional no cinema de Costa. O artigo argumenta que essa prática de intercessão promove uma partilha de saberes em um lugar marcado pela precariedade e racialização pós-colonial.

A voz corpórea como expressão do inefável: comentários sobre Mais do que palavras ao vento: voz, corpo e melodrama no cinema (2020)

2024-03-12T00:32:34+00:00

A dissertação Mais do que palavras ao vento: voz, corpo e melodrama no cinema (2020), sob a autoria de Felipe Ferro Rodrigues, busca repensar a ideia do melodrama como a encenação do sofrimento da vítima silenciada, em que o corpo é o principal meio de manifestação simbólica do desejo reprimido. Esta definição, todavia, parece não levar em consideração a voz em sua materialidade mais natural. A limitação semântica não estaria relacionada à incapacidade de projeção vocal, mas sim da impossibilidade de organização lógica do discurso através da palavra. A partir da análise dos longas-metragens Carta de uma desconhecida (Max Ophüls, 1948) e Imitação da Vida (Douglas Sirk, 1959), o autor contesta a máxima de que o melodrama é o drama da mudez (Brooks, 1995), e o ressignifica como o espaço onde o vocal ultrapassa o oral.