Espectáculo “O²”: similitudes entre la práctica en clase y la creación artística

Resumen

Este artículo presenta la dinámica de la producción artística y académica desarrollada en el Proyecto de Investigación D.O.A. (Danza y otras obras de arte), Departamento de Arte Corporal de la Universidad Federal de Rio de Janeiro (UFRJ) y los problemas específicos que intervienen en el proceso de investigación en danza, con respecto a la preparación corporal y la composición coreográfica, con base en una metodología teórica y práctica. Este proyecto de investigación iniciado en 2012 tiene como objetivo, en la actualidad, la investigación sobre la construcción de diferentes cualidades gestuales que llevaron al espectáculo de danza contemporánea titulado “O²”, a partir del análisis, experiencia y demás prácticas, enfoques y técnicas corporales establecidas, tales como: el Método Pilates, técnicas de meditación y danza contemporánea bajo un aspecto somático-creativo. A partir de la descripción de la serie, tenemos la intención de discutir la metodología utilizada, que se basa en primer lugar en la identificación de algunos de los principios que rigen estas técnicas, a continuación, en la recreación y la diversificación de estos principios en diferentes situaciones gestuales en clase y tercero en la creación de guiones y escenas. Cada experiencia corporal en la clase se llevó a cabo a partir de las estrategias basadas en el pensamiento somático (soma-cuerpo) introducido por el filósofo americano Thomas Hanna en los años 1970 y hoy en día es ampliamente utilizado por los profesores y artistas de la danza que entienden y trabajan en la subjetividad la experiencia del cuerpo en los aspectos particulares de forma individual a sentir, percibir y moverse, y los problemas de acceso que se presentan sólo en y por la experiencia del cuerpo. El cuerpo, entendido no como carne muerta, sino como un “cuerpo vivo”, donde se ve el “yo, siendo el cuerpo” o en la práctica en la que el sujeto es visto como sujeto y objeto de la experiencia. Además, el trabajo pretende presentar la metodología creativa que impregnaba toda la práctica de la clase y composición escénica, con base en los estudios realizados por el Profesor Emérita Helenita Sa Earp, que pone de relieve la importancia del desarrollo de la creatividad como principal atributo de un maestro o un bailarín, que se basa en el conocimiento que todo el cuerpo en la danza en los principios fundamentales de la acción humana se rige por la noción de movimiento, la dinámica espacio-forma y hora. La elección de este tipo de enfoques y prácticas corporales, no sólo se limita a la preparación del cuerpo del intérprete, pero siempre y cuando el elemento temático en la composición artística: la respiración. En este sentido, el proceso de creación destinado a tejer lazos más estrechos entre la práctica de la clase y la práctica escénica desde la primera idea de que el acto de bailar no separa el acto creador del acto técnico, sobre todo cuando se rige por la idea de que hacer el baile está impregnado de un compromiso sensible, físico y creativo. Además, el estudio propone una investigación específica para repensar, volver a crear algunos enfoques del cuerpo y de sus bases fundamentales para la creación de nuevos estímulos/ ejercicios y experiencias corporales en las clases y, en conjunto, para el desarrollo de un producto artístico de una práctica somática y creativa.